SALA RUSSAFA

 El lunes de la semana pasada aprovechamos la sesión de AGC para visitar la Sala Russafa que, como su nombre indica, se encuentra en dicho barrio de Valencia, concretamente en la calle Denia. La finalidad era saber un poco cómo funciona y conocer la obra que tienen actualmente en cartelera "El limpiaculos del rey".

 Para comenzar, nos recibieron Laura y Elisa, dos de las personas que forman parte del equipo, nos  acercaron al cartel de la obra y nos preguntaron sobre qué pensábamos que trataba, qué nos sugería, a lo que respondimos:  monarquía, política, corrupción... 

 La compañía que está detrás de esta obra es "Alarcón & Cornelles" (Rafa Alarcón y Jerónimo Cornelles) y está escrita y dirigida por Chema Cerdeña. Casualmente los tres se encontraban allí en ese momento y tuvimos la oportunidad de conocerlos personalmente y realizarles algunas preguntas. Nos contaron cuánto tiempo llevan dedicándose a esta profesión, cómo surgió la idea de juntarse, qué trabas se han podido encontrar, si se han planteado autocensurarse en algún momento por temor a represalias... la charla estuvo muy interesante, de hecho, creo que se nos hizo un poco corta a todos/as en general.

 La segunda parte de la visita consistió en realizar una performance en la que una persona haría de rey, llevaría muchos calzoncillos puestos uno encima de otro y otras dos personas (aspirantes a limpiaculos) se retarían, lo acompañarían al centro de un círculo que habríamos formado todos los demás y lo ayudarían a subir a una escalera para comenzar a bajarle uno a uno todos los calzoncillos, a ver quien salía victoriosa... El objetivo era representar de manera simbólica brevemente el argumento de la obra para darla a conocer y que la gente se animara a ver la original. Por eso nos indicaron que al finalizar debíamos ir preguntando a las personas que pasaban por allí si conocían algún limpiaculos y qué serían capaces de hacer para llegar al poder e informarles sobre la obra real.

 En principio se planteó realizarla dentro del Mercado de Ruzafa, para lo que habían solicitado permiso, pero al parecer no habían obtenido respuesta y finalmente no se pudo hacer allí, por lo que la hicimos en la calle, justo al lado del mercado. La opinión en general que comentaron mis compañeros/as es que no se sintieron del todo cómodos/as con la actuación y, sobre todo, por el hecho de tener que preguntar a la gente, ya que era un poco embarazoso.

 La visita estuvo muy entretenida en general, especialmente la entrevista con los actores y el director de la obra, y creo que una de las cosas más importantes de las que hablaron es el trasfondo que hay  detrás de una obra, el mensaje que se pretende transmitir, pues detrás de una historia siempre hay una intencionalidad y probablemente una invitación a la reflexión sobre algún tema, en este caso, uno tan actual como es la corrupción o el cuestionamiento de la monarquía. Afortunadamente, por ser estudiantes de animación sociocultural, hemos conseguido entradas a buen precio para ver esta obra el próximo viernes y, la verdad, todo apunta a que valdrá la pena. ¡Ya os contaremos!

                                                       Avance del Limpia Culos Del Rey

Zulema

LAS ARTES II

LA CONSTRUCCIÓN DEL SIGNIFICADO DE LA OBRA DE ARTE

 Como comentábamos anteriormente, el tema que estamos tratando estos días en clase de Animación y Gestión Cultural son las artes, y explicamos cómo el arte no puede definirse como algo exacto (a pesar de que todavía un gran número de personas consideran que debe cumplir unas normas y centrarse en la búsqueda de la belleza), sino que es el resultado subjetivo de la interacción de una persona con una obra, una "mezcla" de lo que un/una artista pretende transmitir y lo que el/la receptor/a percibe según su bagaje personal o experiencias vitales, por lo que el significado es único para cada persona. 

 Hacíamos hincapié en las actividades que debemos llevar a cabo desde la animación sociocultural, enfocadas en promover la interacción del público con las obras. Esto es necesario especialmente en las corrientes artísticas menos conocidas o más alejadas del público en general como son la danza contemporánea, el teatro experimental, la poesía y/o literatura experimental, nuevas formas de videocreación... en definitiva aquellas artes que intentan romper de alguna manera con el estilo tradicional.

LOS DERECHOS DE PROPIEDAD INTELECTUAL

 Los derechos de propiedad intelectual son el conjunto de derechos que corresponden a los autores y otros titulares (artistas, productores, organismos de radiodifusión...) respecto de las obras y prestaciones fruto de su creación.

 El concepto nació en el siglo XVIII en Inglaterra impulsado por los editores de libros que reclamaban el derecho a perpetuidad a controlar la copia de los libros que habían adquirido de los autores, que implicaban que nadie podía imprimir copias de las obras sobre las que tuvieran el copyright (derecho de copia).

 En la concepción de derechos de autor ha habido dos líneas, en el ámbito anglosajón, el copyright se convirtió en un derecho de propiedad comerciable y en el resto de Europa se desarrolló el derecho de autor, con la idea de expresión única de la autoría.

 En España, la normativa se sitúa en esta última idea y establece dos tipos de derechos:

MORALES: reconocimiento de la condición del autor de la obra o del nombre del artista y exigir el respeto a la integridad de la obra o actuación y la no alteración de las mismas.

PATRIMONIALES: referidos a la explotación de la obra. Estos se subdividen, a su vez, en exclusivos, que permiten a su titular autorizar o prohibir los actos de explotación de su obra o prestación protegida y exigir una retribución, y de remuneración, que obligan al pago de una cantidad económica (determinadas por la ley o por las tarifas generales de las entidades de gestión) por los actos de explotación.

 La UNESCO siempre ha estado comprometida a promover la protección de los derechos de autor en todos los ámbitos y tiene en marcha un Observatorio Mundial de Lucha contra la Piratería.

 Contra lo que pueda parecer, una obra está protegida desde el momento de su creación, pues no precisa ser registrada de manera formal. Sin embargo, las administraciones ofrecen un Registro de Propiedad Intelectual que facilita esa opción, lo que ofrece la ventaja de proporcionar una prueba cualificada de que los derechos inscritos existen y pertenecen a su titular (a no ser que se demuestre lo contrario) y dar publicidad.

 Para garantizar el control, el estado autoriza a determinadas entidades de gestión sin ánimo de lucro a realizar dicha tarea. Actualmente hay ocho:

-SGAE: Sociedad General de Autores y Editores

-CEDRE: Centro Español de Derechos Reprográficos

-VEGAP: Visual Entidad de Gestión de Artistas Plásticos

-DAMA: Derechos de Autor de Medios Audiovisuales

-AIE: Artistas, Intérpretes o Ejecutantes

-AISGE: Artistas Intérpretes, Sociedad de Gestión

-AGEDI: Asociación de Gestión de Derechos Intelectuales

-EGEDA: Entidad de Gestión de Derechos de productores Audiovisuales

 Es lógico que las personas creadoras tengan un reconocimiento pero todo este tema tiene aspectos bastante polémicos, como por ejemplo la duración de los derecho de autor, o cuándo una obra debe pasar a dominio público. A principios del siglo XX se mantenían durante 28 años más, actualmente (y debido a la presión de las grandes compañías discográficas y audiovisuales que tienen cedidos muchos de esos derechos) se ha establecido en 70 años.

 Internet ha supuesto por un lado, que haya más difusión de obras (lo que resulta muy beneficioso para artistas emergentes, que se pueden dar a conocer con más facilidad) y por otro, que resulte más fácil compartir archivos o realizar copias ilegales.

 La SGAE, se ha visto cuestionada, entre otras cosas, por sueldos elevados, por acciones culturales que competían con el sector (como espacios escénicos), por inspecciones de autores que no han cedido sus derechos, la negociación de tasasen grandes organizaciones, etc

 Todo esto ha influido en el surgimiento del copyleft, un movimiento que cuestiona los derechos de autor y defiende que todo programa con licencia de software libre debe seguir siendo así. Esta idea surge de que la creatividad no surge de la nada, sino que detrás de las obras está la influencia de muchas otras obras o creaciones  anteriores que han contribuido en la inspiración del artista.

 Una alternativa para definir los derechos de autor son las Licencias de Creative Commons, en las que el autor o autora establece el nivel de protección de su obra (si puede compartirse pero se establece si se exige el reconocimiento de la autoría, si se pueden hacer obras derivadas, si se puede hacer un uso comercial o si cuando se comparten se ha de utilizar la misma licencia). Surgieron de la Fundación Creative Commons.org, una organización sn ánimo de lucro cuyo objetivo es permitir tanto a los autores como  a los usuarios poder compartir y proteger sus obras.

 En mi opinión, el sistema en el que vivimos hace que hayan diferentes actividades culturales según las clases sociales, así, además de establecer grandes limitaciones, consiguen que las personas con menos recursos ni se plateen descubrir aquellas que se consideran "para ricos". Lo cierto es que en una sociedad más justa, todas las artes deberían estar al mismo nivel, de la misma manera que deberían estar al alcance de todas las personas y en cualquier parte del mundo, pues son universales y reflejan diferentes visiones que tiene el ser humano sobre la vida. Por eso, nuestra labor como animadores socioculturales, debe centrarse especialmente en intentar combatir esto y que todas las personas puedan disfrutar de la cultura en igualdad de condiciones. Es una lástima que en esta sociedad se quiera hacer negocio de todo y que por encima de artistas, obras o acciones culturales siempre hayan intereses económicos que desvirtúan las artes, tan necesarias para expresarnos, reflexionar, entender el mundo y en definitiva, para desarrollarnos. Las artes deben ser de todos/as y para todos/as.

Zulema

LAS ARTES

El pasado viernes 11 de Enero, comenzamos en clase el tema de Las artes en el módulo de Animación y Gestión Sociocultural. ¿Cómo podemos definir qué es el arte?

Tradicionalmente el arte se ha relacionado con una actividad que tiene que cumplir ciertas normas o principios que sean propios de la belleza. Pero a partir del s. XIX se cuestiona si esta concepción es la idónea. 

El Consejo de Las Artes de Gran Bretaña lo define como una forma de comunicación simbólica en la cual el/la artista representa y ordena símbolos, signos, sonidos y hechos de una forma que implique despertar emociones.

¡Despertar emociones! No se trata únicamente de saber manejar la técnica para crear belleza, si no el proceso de comunicación que se establece entre el emisor (el/la artista) y el receptor (el público).

El artista emite un mensaje mediante su producción artística con un contenido, pero este llega al público con una concepción distinta. No tiene por qué coincidir el mensaje que lanza el artista con el que después se interpreta. De esta manera... ¿Cómo podemos saber cuál es el significado de la obra?

Como animadoras/es socioculturales tenemos que trabajar para favorecer la interacción entre la obra y el público. Evitar prejuicios sobre las normas que ha de cumplir una obra artística para que sea considerada arte. Nadie puede saber si le gusta o no una producción  artística si no ha interaccionado con ella. De esta manera, una vez más, el significado de la obra son aquellas emociones que te produce el entrar en interacción con ella, además del mensaje que quiera transmitir el artista.

Como futuras profesionales de la animación sociocultural, para facilitar esa interacción podemos crear actividades como talleres didácticos, presentaciones previas...

VALORACIÓN PERSONAL

El arte es una forma de comunicación simbólica entre el/la artista y el público que permite que en una sola producción artística se puedan despertar emociones muy dispares. Nos permite sentir, experimentar, escuchar, reflexionar y una multitud de diversas experiencias con una sola obra. Pero para ello, se ha de buscar una interacción con esta. No debemos de caer en el error de prejuzgar una producción artística sin antes haber buscado esa conexión. Desde la animación sociocultural tenemos que trabajar para facilitar esa interacción, como anteriormente he mencionado mediante talleres dinámicos, presentaciones previas... 

Que integremos las artes en las prácticas de animación contribuye a estimular la creatividad, las prácticas culturales y el desarrollo de los territorios.

Además, que nos detengamos a apreciar una obra, ya sea musical, de danza, una pintura... en mi opinión es porque quizás, sin darnos cuenta, nuestra atención es captada porque sabemos que ha sido creada por otra persona (un igual) y nos conmueve. 

Para finalizar, si el arte está relacionado con la belleza y también nos hace sentir,  la definición no es únicamente el saber manejar le técnica, si no el poder que nos da: la belleza de sentir.

"Ella parecía arte, y el arte no debía parecer agradable, se suponía que debía hacerte sentir algo"- Rainbow Rowell.

Triana

ANTONI MIRÓ A LA BASE

 En esta última semana de clase antes de las vacaciones de Navidad, como parte del módulo de Animación y Gestión Cultural, fuimos a hacer algunas visitas a museos para, además de aprender con los contenidos teóricos que trabajamos en clase, poder salir un poco de la rutina y comprobar de manera más práctica cómo puede llevar a cabo un/una animador/a sociocultural sus funciones en este ámbito y qué cosas se pueden mejorar y cuáles no.

 Concretamente voy a hablar de nuestra visita a La Marina para ver la exposición de Antoni Miró en La Base, una nueva sala de cultura que se inauguró el pasado 25 de septiembre con dicha exposición y que estará abierta al público hasta el próximo 30 de diciembre.

 El edificio, que estaba prácticamente en ruinas, fue la sede del equipo Alinghi durante la Copa América en 2007 y su estado no era sino el claro reflejo de lo que supusieron las políticas del Partido Popular en Valencia cuando, como ellos/as mismos/as decían, pretendían "poner a Valencia en el mapa", para lo que invirtieron grandes cantidades de dinero pensando sólo en el momento y sin previsión de futuro, entre otras cosas, sobre los edificios que decidieron construir, pues La Base ha estado totalmente cerrada y descuidada durante más de 10 años y han sido necesarias varias remodelaciones para transformarla y rehabilitarla.

 Sin duda el cambio ha merecido la pena ya que, paradójicamente, en la actualidad se le está dando un uso público, abierto a toda la ciudadanía (y para todas las edades) de manera gratuita, y destinado a promocionar el arte, la innovación y, sobre todo, la cultura.

 En el exterior se encuentran las esculturas que tanta polémica han provocado por representar escenas sexuales explícitas. En mi opinión, no tienen mayor trascendencia y creo que la indignación de la mayoría de las personas solo reflejan la doble moral que existe en la sociedad, pues recuerdo que muchos de los comentarios cuando fue noticia, estaban relacionados con que no eran apropiadas para niños/as y digo yo, ¿todos esos bailes y canciones comerciales de moda que tantos/as pequeños/as imitan y que a menudo denigran a la mujer si lo son? Y este es sólo un ejemplo...

 En el interior, el espacio muestra muchas de las obras de Miró realizadas desde 2012, pues ya hubo una exposición en el MUVIM con sus obras anteriores y él mismo quiso que esta exposición se centrara sólo en estas últimas.

Como valoración personal, creo que sus cuadros no dejan indiferente a nadie tanto por el contenido como por la técnica, que me pareció impresionante. De hecho, desde mi ignorancia, nada más entrar, pensé que algunos eran fotos reales, pues lo parecen totalmente.

 Las obras pertenecen a diferentes series: Mani-festa, Nuus/Nues, Suite Havana, Costeres i Ponts, Suite Erótica y Personatges y reflejan su visión sobre la realidad, por lo que representan la denuncia social desde una posición o perspectiva de izquierdas e invitan al análisis y a la reflexión y es que, ya nos lo explicaron, detrás de sus cuadros siempre hay algo de manipulación...

 Personalmente la parte que menos me gustó fueron los desnudos, no por la calidad que, repito, me parece inmejorable, sino porque sigue transmitiendo la percepción machista que se tiene de las mujeres y, por tanto, la cosificación a la que estamos sometidas, pues, a excepción de pequeñas imperfecciones sin importancia que se podían observar en alguno de los cuerpos (pechos un poco caídos o cicatrices de cesárea), en general todas tenían cuerpos delgados y/o "atractivos" que responden al canon de belleza estipulado como modelo normativo social.

 En cuanto a la labor que se realiza desde la Animación Sociocultural, se ofrecen visitas guiadas y talleres a centros educativos, colectivos, familias y niños/as, en los que el/la visitante puede participar de manera activa (comentando, debatiendo...) y realizar actividades acordes a su edad. Para los/as niños/as, por ejemplo, se organizan juegos relacionados con la exposición de manera que rompe con los típicos museos más restrictivos para los/as pequeños/as o que los "apartan" en una zona específicamente habilitada para que puedan jugar o distraerse mientras los mayores ven las obras tranquilamente. 

 Este detalle me pareció muy interesante e innovador y creo que se debería tomar como ejemplo y trasladar a muchas otras actividades culturales de este tipo, pues es totalmente viable y contribuye a la inclusión, a que nos quitemos ese prejuicio que en ocasiones tenemos con los/las niños/as al verlos/as como una molestia y más bien le demos la vuelta a esta idea para que también puedan involucrarse en las actividades culturales, lo que sin duda, y en la medida de sus posibilidades, les ayudará positivamente en su desarrollo.

 En definitiva, me pareció que llevan a cabo una labor admirable ya que contribuyen a ir eliminando esa idea que tenemos de los museos tradicionales en los que los/as usuarios/as solo vamos como meros/as espectadores/as y, remitiéndome a los conceptos ya aprendidos anteriormente, pretenden que haya democracia cultural: que cualquiera pueda participar y aportar algo, como debe ser desde la Animación Sociocultural.

 Para finalizar, ya que esta exposición está tan cargada de política y que todos/as contribuimos e influimos en ella, de una manera u otra, me quedo con esta frase que se puede leer en uno de sus cuadros junto al logo de ERPV (Esquerra Republicana del País Valencià) y que insta o anima a los jóvenes a abrir los ojos y a no permanecer indiferentes, es decir, a tomar parte:

"A partir dels 25, o s'es de dreta, o s'es d'esquerra, o no s'es res, o siga, més de dreta"

Zulema

LOS MUSEOS

Durante la semana del 07/12/18, dedicamos varias sesiones a estudiar los museos. Qué son y qué funciones tienen.

LOS MUSEOS ¿ QUÉ SON?
Podemos definir el museo, ciñéndonos a la definición del Consejo Internacional de Museos (ICOM),  como una institución cultural con carácter permanente, abierta al público, sin finalidad lucrativa, donde se conservan, estudian y se exponen los testimonios materiales de la evolución del universo, le los ambientes físicos, biológicos, sociales del mundo pasado y actual y de las realizaciones del ser humano a lo largo de su existencia.
Pero... ¿cuáles son las finalidades del los museos? Pues bien, son instituciones dedicadas a la conservación y exhibición de bienes patrimoniales. Los primeros museos, entre ellos el Louvre, en París, significa el traspaso de colecciones privadas de la monarquía, la aristocracia y la Iglesia a galerias de propiedad pública, a disposición de la ciudadanía para que pudiesen disfrutar de las obras. Pero con el paso del tiempo, además de tener una función conservadora pasa además a ser educativa. Un ejemplo de uno, es el Muvim, en Valencia. Para resumir, las funciones son:

• Conservar, catalogar, restaurar y exhibir.
• Investigar y promover la investigación.
• Desarrollar actividades didácticas respecto al contenido de las obras.

  Museo Louvre, París.


 Museo Muvim, Valencia.




Así pues, podemos distinguir en dos tipos de museos:
Museos clásicos: se limitan a exponer las obras y en ocasiones a dar información sobre los objetos.
Museos de segunda generación o modernos: dan a la persona que está visitándolo un papel activo invitando a disfrutar las obras  tocándolas o manipulándolas. La tecnología también permite un acercamiento con audiovisuales,, que permite establecer una interacción emocional e intelectual.

LES 7 DIFERÈNCIES - EL PONT FLOTANT -

 

 El pasado 2 de diciembre fui con mi familia a ver la obra de teatro "Les 7 diferéncies" de El Pont Flotant, una compañía de teatro que nació en el año 2000 como grupo de investigación sobre la técnica del actor. Sus integrantes son: Àlex Cantó, Joan Collado, Jesús Muñoz y Pau Pons.

 Lejos de criterios comerciales, lo que pretenden a través de sus obras (elaboradas de manera colectiva) es dar lugar a la reflexión sobre las nuevas formas de comunicación y expresión teatrales contemporáneas. Sus características son, entre otras, una particular manera de relacionarse con el público, la mezcla de lenguajes e idiomas y la economía de recursos.

 Además de la producción propia, los miembros de El Pont Flotant desarrollan también una actividad pedagógica y de investigación teatral en la sala flotant - espai flotant (ubicada en la calle Baró de Patraix, 5) que ellos mismos gestionan.

 En cuanto a "Les 7 diferències", fuimos a verla a la Casa de la Cultura de Picassent, pues no nos había sido posible ir a las representaciones que habían realizado anteriormente en otras localidades más cercanas a Valencia (donde residimos) y si bien ya tenía muy buenas referencias, sin duda superó mis expectativas. Además ha obtenido el premio al mejor espectáculo para niños y niñas de Artes Escénicas Valencianas, lo que me parece un merecido reconocimiento, pues en la hora y media aproximadamente que tiene de duración, mis hijos (de 6 y 10 años) no se distrajeron ni desconectaron en ningún momento, cosa que puedo garantizar es bastante difícil...

 La obra trata sobre las diferencias que hay entre personas de distintos países, y por lo tanto también de rasgos, orígenes y costumbres. Aparecen varios intérpretes (dos valencianos, una peruana, una bangladeshí, un guineano y un chino) que nos cuentan, con una mezcla entre ficción y tintes autobiográficos, las circunstancias o los motivos que les llevaron a abandonar sus países, la situación en la que se encontraban, las peripecias de su viaje y su percepción o primera impresión cuando llegaron a Valencia.

 A través de su lenguaje corporal, con su carisma, la música, el juego y en tono de humor, pero con un profundo trasfondo humano y social (que refleja perfectamente la realidad que viven la mayoría de personas al emigrar y cómo muchas veces, al llegar aquí, se encuentran con rechazo o dificultades) consiguen atraparte y emocionarte desde el primer momento. 




 En definitiva me ha parecido una obra muy interesante y recomendable para todos los públicos, en especial para los/as más pequeños/as, ya que contribuye a educarlos en valores como la igualdad, sin distinción de sexo o raza, pues transmite de una forma admirable diferentes maneras de entender el mundo y de poder respetarlas y compartirlas y, por lo tanto, la riqueza de la diversidad humana.

"Nadie nace odiando a otra persona por el color de su piel, o su origen, o su religión. La gente tiene que aprender a odiar, y si ellos pueden aprender a odiar, también se les puede enseñar a amar, el amor llega más naturalmente al corazón humano que su contrario" (Nelson Mandela)

Zulema

HISTORIA DE BOMBAS GENS

Este gran centro de arte antiguamente estaba muy lejos de ser lo que es hoy en día.   

         

Anteriormente este organismo era nada más y nada menos que un taller familiar dedicado a la fabricación de válvulas industriales y bombas hidráulicas; lo que nos conduce a pensar:

¿cómo es posible que esta fábrica destinada a la construcción de este tipo de artilugios pase a ser un centro cultural de arte?

Carlos Gens tras inaugurar su taller en 1930 se asocia con Rafael Dalí, por lo que nace en la avenida Burjasot, Bombas Geyda, en el barrio de Marxalenes. En la construcción de este edificio se tiene muy en cuenta al trabajador, puesto que implantan vestuarios, zona de comedor y servicios; este tipo de estancias eran consideradas inecesarias en una fábrica en aquella época. 


Posteriormente Bombas Geyda, debido a una serie de hechos históricos, comienza a dedicarse a la fabricación de bombas destinadas a usarse en conflictos bélicos. A causa de la actividad de producción que desempeñaba fue objeto de diversos ataques aéreos, por lo que se implantó un refugio en el subsuelo del edificio.
    
En 1991 Bombas Geyda cierra sus puertas; que comienza a deteriorarse su estructura, encontrandose en una situación de abandono. Por fortuna, fue adquirido por el grupo Sancana Gestión de Inversiones S.L en 2014; quienes comenzaron a restaurarlo. Es en el año 2016 cuando comienzan las obras.
  

Finalmente en 2017 abre al público convirtiendose en un centro de actividades culturales.

    

Considero que la historia que albergan las viejas estructuras de este lugar; cuya función hoy en día se encuentra en el ámbito cultural, hacen de Bombas Gens un lugar indudablemente especial.

(María Pavía)